Película japonesa Oscars 2013

La película japonesa seleccionada para intentar colarse en la lista de las cinco nominadas al oscar a la mejor película de habla no inglesa será かぞくのくに (kazoku no kuni) traducida como “Our homeland” de Yang Yong-hi.

La directora, procedente del cine documental, trata en este primer largometraje un tema que le toca muy de cerca, una familia en la que dos hermanos se han criado uno en Corea del Norte y otro en Japón, y ahora se reencuentran. Sin duda una fuerte competidora para la película coreana del conocido director Kim Ki-duk y su “Pieta”.

 

"Blancanieves" irá a los oscars

“Blancanieves”, dirigida por Pablo Berger (Torremolinos 73), será finalmente la película que representará a España en la lucha por los oscars en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Se impuso en la votación final a El artista y la modelo, de Fernando Trueba, y a Grupo 7, de Alberto Rodríguez.

En realidad, se trata de un film que no tiene habla, ni inglesa ni de ningún otro idioma, ya que es mudo y, además, en blanco y negro. ¿Les suena? Bueno, no sean mal pensados; el proyecto es muy anterior a The artist, según cuenta su director. Recuerden que el proceso completo de una película, desde la concepción de la idea hasta su estreno, pasando por la escritura del guión, la preproducción, rodaje, montaje, etc, puede durar años y, cuando se estrenó The artist, éste ya estaba avanzado.

La cinta está protagonizada por Maribel Verdú y Macarena García y, aunque no hemos tenido ocasión de verla todavía puesto que no se ha estrenado aún, parece que es una versión muy libre del cuento de los hermanos Grimm con ciertos toques hispanos, tanto en imágenes como en sonido. Parece que este cuento está muy de moda últimamente en el celuloide (Mirror, mirror; Blancanieves y la leyenda del cazador,…) y a lo mejor está muy sobrecargado el cupo de cuentología de la academia de Hollywood, pero esto es lo que hay. Así que desde aquí le deseamos la mejor de las suertes y esperamos, al menos, que llegue a la selección final y permita a sus protagonistas promocionar nuestro cine por la alfombra roja.

To Rome with love

Primero fue Londres con Match point, y funcionó. Incluso pudo hacerse el remolón por los paisajes británicos y aprovechar para rodar algunas cosillas más. Luego fue Barcelona con Vicky, Cristina, Barcelona, y funcionó. Más tarde París, con Midnight in Paris, y funcionó. Ahora Roma, con To Rome with love y…, lo siento pero se quedó usted corto Mr. Allen. No queremos decir con esto que sea una mala película ni mucho menos pero, acostumbrados como nos tenía, fuimos al estreno ilusionados y salimos decepcionados. Y es que a lo bueno se acostumbra uno demasiado rápido.

La película cuenta cuatro historias que nada tienen que ver entre sí pero que están fragmentadas e intercaladas en el montaje. La razón aún nos la estamos preguntando ya que en ningún momento se cruzan y, lo que es peor, no se desarrollan paralelamente en el tiempo ya que mientras una transcurre en el espacio de tiempo de un día en otras pasan días o a lo mejor semanas, con lo que no se justifica el montaje de ninguna manera.

Dejando aparte este detalle, hemos de comenzar señalando que esta película es cómica, demasiado cómica, lo cual no permite que asomen la cabeza los esbozos de la poca historia dramática que podría adivinarse entre las líneas del guión. Además, los recursos de los que se vale el director resultan ser una mezcla bastante heterogénea de la que resulta un mestizaje estilístico difícil de justificar. Y quizá la razón sea que hay demasiada dispersión. Nada de lo que podría generar una buena escena es aprovechado lo suficiente debido al intercalado continuo de las historias y a la brevedad de las mismas, lo que no permite desarrollar personajes lo suficiente ni dotar de suficiente coherencia argumental al guión. En muchas películas de Allen el guión por sí solo salva la película e incluso la convierte en genial, pero en este caso también se queda a medio camino.

De las cuatro historias, dos están cortadas por el patrón italiano, una protagonizada por Penélope Cruz, donde la historia, que partía de una buena idea argumental, acaba siendo metida con calzador y donde las interpretaciones son flojitas, y otra protagonizada por Roberto Benigni que en sí es la que, para la extensión de que disponía, tiene una mejor factura final, muy bien interpretada y recreada, donde lo que se quería contar está completo y suficiente y donde no parece faltar ni sobrar nada, destacando la genial interpretación de Benigni, digna del mismísimo Alberto Sordi, como decimos con un tono muy italiano.

Las otras dos tienen planteamientos mucho más del estilo al que Allen nos tiene acostumbrados, si bien una de ellas, la que interpreta el propio Allen, se regodea en lo cómico hasta dejarla sin sustancia. La otra es la que, a nuestro parecer, podría haber dado como resultado la película que estábamos esperando, con los típicos conflictos de parejas, trios, dobles parejas, que tanta confusión y diálogo interno generan en los personajes y que habría dado lugar a líneas y líneas de diálogo inteligente que tan bien sabe combinar Allen, y donde el psicoanálisis de 90 minutos, que este director cocina de maravilla, habría tenido campo abierto. Incluso respetando las intervenciones de un Alec Baldwin con reminiscencias de aquel Bogart de Sueños de seductor. Pero, como decimos, sufre de una falta de un desarrollo completo y, lo que es clave, no acabamos de creernos al personaje de Jesse Eisenberg, no acabamos de encontrar ni un gramo de química entre él y el personaje de Ellen Page, y echamos de menos algunos momentos más que justifiquen al personaje de Greta Gerwig. Hace falta dejar que los personajes vivan; los clichés de situaciones que, como espectadores, ya conocemos,no justifican por sí solos el comportamiento de los personajes.

En definitiva, esta película está casi bien en todos los aspectos y no acaba de estar bien en ninguno, te quedas con la sensación de que le falto un poquito, la mires por donde la mires, para ser lo que pretendía. O quizá es que nos ha convertido usted en espectadores exigentes Mr. Allen y ahora queremos algo más de una película.

 

Tíulo original: To Rome with love

Director: Woody Allen

Actores: Woody Allen, Judy Davis, Allison Pill, Flavio Parenti, Fabio Armiliato, Roberto Benigni, Jesse Eisenberg, Ellen Page, Greta Gerwig, Alec Baldwin, Penélope Cruz, Alessandro Tiberi, Alessandra Mastronardi.

Año: 2012

Kabei

Película relativamente reciente (2008), ambientada en el Tokyo de 1940, recoge la historia íntima de una familia que ve como el padre, profesor de universidad e ideólogo, es encarcelado por manifestar pensamientos contrarios al imperio y no apoyar la guerra. Este hecho es el punto de partida para que nos cuente como sale adelante la familia, su mujer y dos hijas, a través de un Japón cada vez más empobrecido por la guerra con China y la posterior entrada en la segunda guerra mundial.

La película, sin grandes despliegues de imágenes, rodada casi en su totalidad en interiores, se sustenta en las interpretaciones, encabezadas por el personaje de Kabei, interpretado por la espléndida actriz Sayuri Yoshinaga, una de las grandes del cine japonés. Su personaje sufre una progresiva transformación interior evolucionando su situación familiar y personal paralelamente a los acontecimientos históricos y políticos, y mantiene la intensidad interpretativa en todo momento en un derroche de talento con una expresividad intensísima.

Quizá lo único de que se puede acusar a esta película es del exceso de escenas para explicar el desenlace final ya que se sobredramatiza la historia y podría haberse dado la misma información suprimiendo una gran parte de los planos. Pero, en cualquier caso, es una película que se deja ver y un digno alegato contra la guerra y a favor de la libertad de pensamiento.

El director Yoji Yamada firmó este proyecto justo después de la renombrada Love and honor ( de corte completamente distinto, más en la línea de otros títulos suyos como The hidden blade o El ocaso del samurai), en lo que parece un definitivo cambio de rumbo hacia una línea más costumbrista e intimista, que ha tenido continuidad con su última película estrenada About her brother y en su reciente grabación de próximo estreno que será un remake de Tokio monogatari (Cuentos de Tokyo), de Yasujiro Ozu, una de las obras maestras del cine nipón, que ya hemos citado en alguna ocasión en otros artículos y que estará en cartel con el título de Tokyo Kazoku (Familia de Tokyo).

Título original: 母べえ  (Kaabee)

Director: Yoji Yamada

Intérpretes: Sayuri Yoshinaga, Tadanobu Asano, Rei Dan, Mirai Shida, Miku Sato, Keiko Toda, Tsurube Shofukutei, Umenosuke Nakamura, Mitsugoro Bando.

Año: 2008

Precandidatas españolas a los oscars 2013

La academia de las artes y las ciencias cinematográficas de España acaba de desvelar hoy cuáles son las tres películas aspirantes a ser la que represente a España en la lucha por el oscar a la mejor película de habla no inglesa: “Blancanieves”, dirigida por Pablo Berger; “El artista y la modelo”, dirigida por Fernando Trueba; y “Grupo 7”, dirigida por Alberto Rodríguez.

 

Los tres largometrajes son muy diferentes entre sí, desde “Blancanieves” que es una película muda (después de The artist ya nada nos sorprende), pasando por una más clásica como es la del ya experimentado en estas lides Fernando Trueba, hasta la atrevida producción de Alberto Rodríguez, “Grupo 7”, sin duda una grata sorpresa.

Destacamos que la obra de José Luis Garci, “Holmes & Watson, Madrid days”, que sin duda habría contado con posibilidades de nominación, como suele ocurrir con las películas del oscarizado director, ha quedado fuera de la lista.

Desde aquí esperamos que los académicos no tengan que arrepentirse. En cualquier caso, para saber el nombre de la cinta finalmente elegida habrá que esperar al día 27 de septiembre.

Tres colores: Blanco

Aunque resulte extraño que nuestro primer comentario de cine francés sea sobre un director que no es francés hemos querido salirnos de lo convencional para llamar la atención sobre el valor de este tipo de films europeos en los que se demuestra que el talento puede con todas las barreras.

El director polaco Krzysztof Kieslowski emigró a Francia con una maleta llena de buenas películas anteriores a su incursión gala. Sin embargo son las tres últimas películas que rodó (Azul, blanco y Rojo) las que lo han hecho más conocido. En parte favorecido por el efecto publicitario del juego tricolor (estos tres colores son los de la bandera francesa y con esa intención se titularon los films) y el lema "liberté, egalité, fraternité", la repercusión de estas películas se debe sobre todo a la sorprendente capacidad de sobrecoger con imágenes que demuestra el director en los tres films.

Con argumentos que atrapan y se apartan de lo convencional desde los primeros minutos para, sin embargo, contar historias cercanas, en las tres películas acabamos conociendo un poquito más al ser humano.

Blanc es, de las tres, la película la que cuenta con una apuesta mayor ya que los actores no son tan conocidos como en las otras dos (interpretaciones estelares de Irene Jacob, Juliette Binoche o Jean Louis Trintignant) aunque en esta aparece una entonces no tan conocida Julie Delpy.

La película arranca en París colocando al personaje en un punto muerto desde el que debe iniciar una nueva vida por lo que tiene que volver a su Polonia natal. Sin embargo, la destrucción total de su vida, previa a la toma de esta decisión, va más allá de una intención vital, conllevando, tras un divorcio contencioso, la pérdida de posesiones, vivienda, dinero y hasta documentación. A partir de aquí, el tracto existencial de la trama se resiste a la monotonía enfrentando al protagonista con su auténtico yo hasta desembocar en un resultado sorprendente.

Elemento clave que resalta toda la calidad de la película es la banda sonora. Imprescindible para aquellos aficionados a las bandas sonoras más allá de la pantalla.

El juego de la evolución de los personajes es la apuesta fundamental. La estructura amor-venganza-amor es el camino más largo, el que toma él, mientras que la estructura deseperación-desamor-amor es el que ella sigue para, al final, resolver la partida de forma sorprendente. La escena final, muda, es de una creatividad y una poesía extraordinarias.

Still walking

 Las películas japonesas que llegan a España son muy pocas. La mayoría de las que podemos encontrar son clásicos como las de Akira Kurosawa, Yasujirô Ozu o Kenji Mizogushi y sólo con cuenta gotas nos llegan títulos actuales que normalmente es difícil que llegen a ser estrenados aquí o editados en dvd/blu-ray.

Uno de los directores que parece que está teniendo alguna continuidad en cuanto a aceptación y edición en España es Hirokazu Kore-Eda, autor de Still walking y de otras películas que nos han llegado como Nadie sabe o Airdoll.

La cinta cuenta la visita que dos hermanos con sus respectivas parejas e hijos  hacen a sus padres ya mayores y desvela la relación existente entre cada uno de ellos que, debido a los acontecimientos de sus vidas, ha ido alterándose y enfriándose.

No cabe duda de que es una película deudora de otra japonesa de Ozu llamada Cuentos de Tokio, una obra maestra del cine japonés, en la que también se expone en clave de cotidianeidad la relación entre padres mayores e hijos y los conflictos internos que la visita de unos a los otros suscita.

Still walking, con una visión mucho más moderna que la anterior, recorre los mismos lugares emocionales narrando la historia con mucho estilo y de un modo suave pero penetrante.  Quizá para un occidental desconocedor y con poco interés por las costumbres japonesas puedan resultar poco atractivo el planteamiento inicial pero está llevado con buen gusto y maestría por el director, sin caer en lo obvio ni recurrir a recursos muy manidos, tan sólo con naturalidad y poniendo la cámara donde debe y cuando debe. No se hace pesado ni reiterativo y los silencios son suficientes para sentir la historia por lo que es.

Título original: 歩いても歩いても　aruitemo aruitemo
Director: Hirokazu Kore-Eda
Reparto: Abe Hiroshi, Natsukawa Yui, You, Takahashi Kazuya, Kiki Kirin, Yoshio Harada, Susumu Terajima.
Año: 2008

Nuevo canal Paramount channel

Hoy comienza la emisión del nuevo canal "paramount channel". Será a las 22:00 horas con la película “El padrino”, que es una de las que no pueden faltar en cualquier lista de las diez mejores películas de la historia. Creo que pocos quedarán que no hayan visto todavía esta obra maestra de Francis Ford Coppola, pero hoy tienen la ocasión de hacerlo. Y, para aquellos que nos la sepamos de memoria, todavía una más será imprescindible.

Pero volviendo al estreno de este nuevo canal, celebramos desde aquí la buena noticia de un nuevo canal de cine 24 horas en abierto y completamente gratuito que promete grandes dosis de buen cine.  Ya la sexta 3 abrió esta puerta hace no mucho y parece que su éxito, con un buen nivel de audiencia, ha impulsado el lanzamiento ahora del de la paramount.

Este canal anuncia que emitirá 11 películas al día con frecuentes estrenos y que no sólo emitirá películas de la paramount sino también de otros estudios, incluyéndose pases de películas en versión original y algunos programas sobre cine, directores, etc.

Esperamos que cunda el ejemplo y que las películas que tanto nos gustan sean cada vez más accesibles.  Por lo pronto vamos calentando motores para disfrutar una vez más de “El Padrino”. Y ya saben, esta es una oferta televisiva que no podrán rechazar…

Oscars 2012

Un año más los cinéfilos hemos tenido que pasar la noche en blanco para presenciar la ceremonia de entrega de los premios de la academia de Hollywood que ha tenido lugar en el Kodak Theather de Los Angeles (California) en su 84ª edición, como viene siendo habitual desde 2002.

Este año, de manera casi accidental por la renuncia de Eddie Murphy tras la marcha de Brett Ratner que fue el productor que lo había contratado,  el presentador de la gala ha sido Billy Cristal, un clásico, lo cuál para la academia suele ser una garantía de que todo irá según lo previsto. Sin embargo, este año ha resultado demasiado sosa. En cambio, en cuanto a agradecimientos, deberían tomar buena nota en la academia española para la próxima gala de los Goya ya que no hace falta nombrar uno por uno a todos los familiares, amigos, conocidos y compañeros para ser agradecido.

Christian Bale entregó el oscar a la mejor actriz secundaria a Octavia Spencer, por Criadas y señoras, la sexta actriz de raza negra a la que se le otorga la estatuilla, que subió al escenario visiblemente emocionada y casi no pudo con sus agradecimientos un tanto bloqueada.

La cerdita Peggy y la rana Gustavo intervinieron para presentar la representación de El circo del sol sobre ir al cine. Espectacular show y de muy buen gusto.

El oscar al mejor actor secundario lo entregó Melissa Leo a Christopher Plummer, de 82 años (el actor más mayor de la historia en recoger un oscar).

Angelina Jolie, extremadamente delgada, subió al escenario para entregar tanto el oscar al mejor guión adaptado, para Alexander Payne, por Los descendientes, como al mejor guión original, para Woody Allen, por Midnight in Paris, que no fue a recogerlo.

Michael Douglas entregó a Hazanavicius el oscar al mejor director por The artist, primera nominacion y en el blanco.

Los premiados el pasado año como mejor actor y actriz, Natalie Portman y Colin Firth, entregaron los de este año a Jean Dujardin y Meryl Streep por The artist y La dama de hierro.

Y, por último, el oscar a la mejor película fue entregada por Tom Cruise a The artist.

Les dejamos la lista de los premiados:

The artist y La invención de Hugo: 5
La dama de hierro: 2 
Midnight in Paris, Criadas y señoras, Los descendientes, Principiantes, Millenium, Una separación, Rango y Los muppets: 1

Oscar a la Mejor Película: 'The Artist'

Oscar al Mejor Director: Michel Hazanavicious, por 'The Artist'

Oscar al Mejor Actor: Jean Dujardin, por 'The Artist'

Oscar a la Mejor Actriz: Meryl Streep, por 'The Iron Lady'

Oscar al Mejor Actor de Reparto: Christopher Plummer, por 'Beginners'

Oscar a la Mejor Actriz de Reparto: Octavia Spencer, por 'The Help'

Oscar al Mejor Guión Original: Woody Allen, por 'Midnight in Paris'

Oscar al Mejor Guión Adaptado: Alexander Payne, Jim Rash y Nat Faxton, por 'The Descendants'

Oscar a la Mejor Fotografía: Robert Richardson, por 'Hugo'

Oscar a la Mejor Dirección de Arte: Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo, por 'Hugo'

Oscar al Mejor Diseño de Vestuario: 'The Artist'

Oscar al Mejor Maquillaje: 'The Iron Lady'

Oscar a la Mejor Película Extranjera: 'A Separation', de Irán

Oscar a la Mejor Edición: 'The Girl With the Dragon Tattoo'

Oscar al Mejor Diseño de Sonido: 'Hugo'

Oscar a la Mejor Mezcla de Sonido: 'Hugo'

Oscar al Mejor Documental: 'Undefeated'

Oscar a la Mejor Película Animada: 'Rango'

Oscar a los Mejores Efectos Visuales: 'Hugo'

Oscar a la Mejor Música Original: Ludovic Bource, por 'The Artist'

Oscar a la Mejor Canción: Bret McKenzie, por 'The Muppets'

OScar al Mejor Cortometraje: 'The Shore'

Oscar al Mejor Documental - Cortometraje: 'Saving Face'

Oscar al Mejor Corto Animado: 'The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore'

Criadas y señoras

Cuando uno parte de una novela que ya te lo da todo bien cocidito, si se tiene talento, puede acabar en una película-bestseller. Este es el caso; el libro que la precede está tan bien estructurado que ya le da al guionista las pautas y éste sólo tiene que seguirlas. A partir de ahí, una buena ambientación que ponga imágenes donde la novela no puede llegar y el resto es sólo trabajo industrial de Hollywood.

La película es de factura impecable, mezclando a partes iguales humor, dolor y derechos civiles. Pero en una mezcla tan bien estudiada que no me extraña que haya entusiasmado a los medios Hollywoodienses. No hay fisuras en la cinta, la armonía, la distribución de momentos pico, las confesiones más íntimas, las situaciones cómicas, todo sigue la proporción de una receta. Y así es fácil decir que esta es una buena película. De las que gustan pero no despuntan. Es tan linealmente perfecta que no llama la atención. Y sin embargo la sensación al terminar es la de haber visto una muy buena película.

Por supuesto las interpretaciones femeninas son increíbles, sobre todo las de las criadas, pero básicamente todas están a la altura, de hecho tiene nominación a mejor actriz y dos nominaciones a mejor actriz secundaria, pero la cosa va a estar muy reñida, ya lo advertimos. Además la dirección de actrices y la dirección coral por parte de Tate Taylor también es de lo más destacable de la cinta junto con el guión y la interpretación.

Y, tras estas alabanzas, quizá lo negativo de la película sea su previsibilidad. Los que ya llevan mucho cine en la retina no tendrán muchos problemas para anticipar los acontecimientos. Este tipo de películas son así. Pero ya son un clásico. Pueden atreverse a juzgar por sí mismos, por lo menos pasaran un buen rato y no habrán perdido el tiempo.

Título original: The help.

Dirección: Tate Taylor.

Reparto: Enma Stone, Viola Davis, Bryce Dallas Howard, Sissy Spacek, Octavia Spencer, Jessica Chastain, Ahna O’Reilly, Allison Janney, Anna Camp, Eleannor Henry, Emma Henry, Chris Lowell, Cicely Tyson, Mike Vogel, Brian Kerwin.

Año: 2011

La invención de Hugo

Si alguien me preguntara de qué va esta película se me ocurrirían muchas cosas que  responder, así que al final supongo que la mejor respuesta sería va de aventuras, de la aventura de hacer realidad los sueños. ¿Y no es el cine donde se fabrican los sueños?

Esta es una película de esas que cuando empiezan ya no te permiten dejar de mirar, ya no te permiten tener ningún pensamiento que no sea el desasosiego de saber qué va a pasar y adentrarnos más y más en ese mundo que nos ha atrapado, sin recordar siquiera que ahí fuera está el mundo real. Igual que el niño que la protagoniza se asoma por los entresijos de un viejo reloj de estación para observar la vida, el amor, el trabajo, la amistad, la crueldad, nos asomamos nosotros por el ventanuco de la pantalla de cine para asombrarnos con el mundo de Hugo, del que ya no podremos salir durante dos horas.

Olvídense de que es una película de Scorsese, sólo déjense fascinar, porque en minutos olvidarán también que es una película, quedarán atrapados por la magia de su historia. Es un cuento tan bien narrado que pocos espectadores quedarán sin conmover. El guión, perfectamente adaptado, no deja ni un cabo suelto y el desentramado de los nudos argumentales es tan perfecto que hasta los más mínimos detalles encuentran en el desenlace su justificación. Un diez sin duda a este guión.

Pero de todos es bien sabido que es muy fácil coger un buen guión y tras pasarlo por un rodaje infame dejarlos convertido en una película tremebunda. No es este el caso. La conjunción de todos los factores encaja tan bien como los mismísimos mecanismos de relojes y otros aparatos que aparecen en la película. Y quizá gran parte del mérito lo tenga el soberbio montaje, merecedor obviamente del oscar al que opta.

Imaginen lo que llevamos hablado de la película y todavía no hemos hecho mención al reparto, pero una película secundada por actores de la talla de Ben Kingsley, Jude Law o Christopher Lee, como podrán suponer, es una apuesta segura, dejando a aparte la aparición de los niños  Asa Butterfield en el papel de Hugo y Chloe Grace Moretz como Isabelle, que están soberbios.

En definitiva, una dura competidora junto con The Artist por el premio final a la mejor película y, a nuestro parecer, la más merecedorea de dicha estatuilla. Es una película que hace parecer simple el hacer las cosas bien, pero en el encanto está el secreto. Déjense llevar de la mano por la gran aventura de un niño que vivía en una estación y tenía un sueño. Para saber el porqué y cuál era ese sueño tendrán que ver la película.

Título original: Hugo

Dirección: Martin Scorsese.

Reparto: Asa Butterfield (Hugo Cabret), Chloë Grace Moretz (Isabelle), Ben Kingsley (Georges Méliès), Sacha Baron Cohen (inspector de estación), Jude Law (padre de Hugo), Christopher Lee (Sr. Labisse), Richard Griffiths (Sr. Frick), Ray Winstone (tío Claude), Emily Mortimer (Lisette), Frances de la Tour (Sra. Emilie).

Año: 2011

Albert Nobbs

Si al hablar de Los descendientes decíamos que básicamente la película era George Clooney ahora tendríamos que decir que esta película es Glenn Close. Lamentablemente, no es suficiente. La ambientación y el argumento prometen (no revelamos nada sobre la película si decimos que Albert Nobbs, el personaje interpretado por Glenn Close, es una mujer que se hace pasar por hombre para poder trabajar en unos tiempos en los que ser mujer y trabajar era una posición existencial con muchos límites), pero la ejecución del proyecto parece que tiene demasiados desajustes que lo avocan hacia un final precipitado y mal presentado que rompe con la buena tónica narrativa de la película.

La interpretación de la protagonista es estupenda, pero de ahí a creernos que parece un hombre (o más bien, a creernos que no es Glenn Close) hay una distancia que durante 90 minutos se nos antoja insalvable. Lo siento pero rechina en lo más profundo de los sentidos. Quizá en tono de comedia como ha sido el caso de otros intentos (Tootsie, Sra. Doubtfire…) se pueda pasar por alto con más ligereza pero en clave de seriedad deberíamos remitirnos tal vez aBoy’s don’t cry como una más acertada transformación/adaptación.

Esto no quiere decir que ella, Glenn Close, no lo haga bien, que lo hace, y que si nos olvidamos de este detalle la película nos va llevando más o menos bien, pero en cualquier caso hacia el final tropezamos y la caída es ya de esas que no permiten levantarnos otra vez. Concluyendo, la única razón que se me antoja para ver esta película es la curiosidad de verla a ella y poco más.

Dirección: Rodrigo García.

Reparto: Glenn Close, Mia Wasikowska, Aaron Johnoson, Jonathan Rhys Meyers, Brenda Gleeson, Maria Doyle Kennedy, Janet McTeer, Brenda Fricker, Pauline Collins, Bronagh Gallagher.

Año: 2011

Midnight in Paris

Parece que Allen ha cogido un montón de postales de París, las más hermosas, y las ha revuelto por el tiempo y por el arte hasta conseguir inventarse una maravillosa historia. No creo que nadie se haya aburrido viendo esta película. Simplemente hay que dejarse llevar y creérselo todo. Se trata de un pequeño cuento lleno de magia en el que el protagonista interpretado por Owen Wilson, como alter ego de Allen (seguro que con unos cuantos años menos él mismo habría protagonizado la película como en tantas otras ocasiones) se va dejando sorprender por la historia llena de inverosímiles acontecimientos al mismo tiempo que el espectador. Quizá el deseo de que nos estuviera pasando a nosotros mismos esa historia, que tan bien personifica el protagonista, es lo que más motiva a seguir mirando la pantalla.

Sin olvidarnos del reparto, que está muy bien elegido (aparte de Owen Wilson y Rachel McAdams, que interpreta a su prometida, con interpretaciones controladas para no caer en un patético comedísmo innecesario, Marion Cotillard brilla con luz propia y los secundarios constituyen un mosaico imprescindible para que la verosimilitud de lo inverosímil del relato, si acaso es posible que la haya, se mantenga), la película hace gala de elegancia en cada plano con imágenes muy cuidadas y una iluminación fabulosa que contribuye en gran parte a darle ese ambiente mágico a la cinta. Es decir, ante su indudable factura, nos rendimos y afirmamos, ¡otra vez Allen!

Parece que este nuevo relance de su carrera que comenzó con la estupenda película Match point (la cuál nos sorprendió a todos no sólo por su rodaje en Londres sino por el tono thriller de la misma, más allá del tocado de humor de una de sus obras maestras Misterioso asesinato en Manhattan) aún tiene mucho que dar de sí, no sabemos si gracias a la inspiración que Europa le pone en bandeja al director, pero seguro que algo de eso hay. Lo cierto es que la vuelta de Allen a París, ese Allen europeo que está recorriendo Londres, Barcelona, París de manera desbocada con su cámara, tiene buena acogida en el viejo continente que siempre ha valorado más su obra que en Estados Unidos, aunque si miramos las nominaciones de los Oscars a lo mejor tendríamos que tragarnos estas palabras.

Pero volviendo a la película que nos ocupa, para nostálgicos, soñadores, poetas y espectadores despreocupados esta película es una joya, absténganse sesudos analistas y duros de entendimiento. Junto a The artist, es una clara candidata, así que vayan a verla para disfrutar del cine en su sentido más primitivo.

Dirección: Woody Allen

Reparto: Owen Wilson, Marion CotillardRachel McAdams, Kurt Fuller, Mimi, Kennedy, Michael Sheen, Nina Arianda, Kathy Bates.

Año: 2011

Premios Goya 2012

Celebrada la 26º edición de los premios Goya en una simpática gala, aunque se hizo un poco larga, como siempre, aquí os dejamos la lista de los premiados, donde el gran triunfador fue Enrique Urbizu y su largometraje "No habrá paz para los malvados".

-Mejor película: "No habrá paz para los malavados".

-Mejor director: Enrique Urbizu ("No habrá paz para los malavados").

-Mejor actor: José Coronado ("No habrá paz para los malavados")

-Mejor actriz: Elena Anaya ("La piel que habito").

- Mejor interpretación masculina de reparto: Luis Homar ("Eva").

- Mejor interpretación femenina de reparto: Ana Wagener ("La voz dormida")

- Mejor actriz revelación: María León ("La voz dormida").

-Mejor actor revelación: Jan Cornet por ("La piel que habito").

- Mejor dirección novel: Kike Maíllo por "Eva".

-Mejor guión original: Enrique Urbizu y Michel Gaztambide por "No habrá paz para los malvados".

-Mejor guión adaptado: "Arrugas".

-Mejor largometraje de animación: "Arrugas".

-Mejor documental: Isabel Coixet por "Escuchando al juez Garzón".

- Mejor cortometraje de ficción: "El barco pirata", de Fernando Trullols.

-Mejor diseño de vestuario: "Blackthorn".

-Mejor dirección artística: "Blackthorn".

-Mejor dirección de fotografía: "Blackthorn".

- Mejor dirección de producción: Andrés Santana ("Blackthorn").

- Mejor música original: Alberto Iglesias ("La piel que habito").

- Mejor canción original: "Nana de la hierbabuena", de Carmen Agredano ("La voz dormida").

- Mejor sonido: Licio Marcos de Oliveira e Ignacio Royo-Villanova ("No habrá paz para los malvados").

- Mejor montaje: Pablo Blanco ("No habrá paz para los malvados").

- Mejores efectos especiales: Arturo Balseiro y Lluís Castells ("Eva").

- Mejor maquillaje y/o peluquería: Karmele Soler, David Martí y Manolo Carretero ("La piel que habito").

- Mejor cortometraje documental: "Regreso a Viridiana", de Pedro González Bermúdez.

- Mejor cortometraje de animación: "Birdboy", de Alberto Vázquez Rico y Pedro Rivero.

-Mejor películaeuropea: "The artist".

-Mejor largometraje iberoamericana: "Un cuento chino".

Los descendientes

Los descendientes quizá deje un poco frio. Es una película que gusta ver aunque posiblemente la olvidemos dentro de unas semanas. Puede que sea la producción lo que falló, pero lo que es seguro es que la impresión final es de necesitar algo más para ser una película redonda.

La base es un guión excelente, de ahí su nominación al mejor guión adaptado (estatuilla que ya consiguió la película de 2004 del director Alexander Payne por Entre copas) pero a partir de ahí lo que mantiene la esperanza de que la película vaya mejorando sin conseguirlo es la plenitud presencial del protagonista, interpretado por George Clooney. Su trabajo es fabuloso (muy merecida su nominación), lleva el peso absoluto de la película saliendo en la casi totalidad de planos y es bastante creíble. Quizá el mejor papel de su carerra. Pero para hacer una obra completa hace falta algo más. No es que se haya estropeado un buen guión al rodar la película, porque la película supera el aprobado, es que parece que si se volviera a rodar y montar podría hacerse mucho mejor.

En conclusión, creemos que es una aceptable película, pero sobrevalorada, a la que le sobran unas cuantas nominaciones (por lo menos dirección, película y sobre todo montaje) y que esperamos que se sepa entender en su justa medida.

Título original: The descendants

Dirección: Alexander Payne

Reparto: George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller, Nick Krause, Patricia Hastie, Matthew Lillard, Judy Greer, Beau Bridges, Robert Foster, Barbara L. Southern, Mary Birdsong, Rob Huebel, Michael Ontkean.

Año: 2011